Театр

Театр
Медиафайлы на Викискладе

Теа́тр (греч. θέατρον — основное значение — место для зрелищ, затем — зрелище, от θεάομαι — смотреть, видеть) — зрелищный вид искусства, представляющий собой синтез различных искусств (литературы, музыки, хореографии, вокала, изобразительного искусства и других^[1][2][3][4]) и обладающий собственной спецификой: отражение действительности, конфликтов, характеров, а также их трактовка и оценка, утверждение тех или иных идей здесь происходит посредством драматического действия, главным носителем которого является актёр^[2][5][6].

Родовое понятие «театр» включает в себя различные его виды и формы: драматический театр, оперный, балетный, кукольный, театр пантомимы и др.^[2]

Во все времена театр представлял собой искусство коллективное; в современном театре в создании спектакля, помимо актёров и режиссёра (дирижёра, балетмейстера), участвуют художник-сценограф, композитор, хореограф, а также бутафоры, костюмеры, гримёры, рабочие сцены, осветители^[1][7].

Развитие театра всегда было неотделимо от развития общества и состояния культуры в целом — с особенностями общественного развития были связаны его расцвет или упадок, преобладание в театре тех или иных художественных тенденций и его роль в духовной жизни страны^[2][3].

Театр родился из древнейших охотничьих, сельскохозяйственных и ритуальных празднеств, в аллегорической форме воспроизводивших явления природы или трудовые процессы^[2], мифы, передаваемые истории создания мира. Исполнялись как правило шаманом в костюме и ритуальной маске для своей общины по праздникам^{[источник не указан 203 дня]}. Однако обрядовые действа сами по себе ещё не были театром: как считают искусствоведы, театр начинается там, где появляется зритель, — он предполагает не только общие усилия в процессе создания произведения, но и коллективное восприятие, и своей эстетической цели театр достигает лишь в том случае, если сценическое действие находит отклик у зрителей^[2][4].

На ранних стадиях развития театра — в народных празднествах — пение, танец, музыка и драматическое действие существовали в неразрывном единстве; в процессе дальнейшего развития и профессионализации театр утратил свой первоначальный синкретизм, образовались три основных вида: драматический театр, оперный и балетный, а также смешанные формы^[2].

Древнегреческий театр родился из мистерий, посвященных богам-покровителям земледелия, в первую очередь Дионису: в ходе посвящённых ему празднеств хор «сатиров», одетых в козлиные шкуры, маски, распевал песни (дифирамбы), содержание которых составляли мифы дионисийского круга. От хора сатиров произошло и слово «трагедия» (буквально — «песнь козлов»)^[8]. Годом рождения мирового театра считается 534 г. до н. э., когда афинский поэт Феспид во время Великих Дионисий наряду с хором использовал одного актёра-декламатора^[8]. Декламатор, которого в VI веке до н. э. называли «гипокритом» («ответчиком» или «комментатором»), мог вступать в диалог с хором, изображать по ходу повествования различных персонажей мифов, и таким образом к диалогу примешивались элементы актёрской игры. Позже Эсхил добавил к хору второго актёра-декламатора, а Софокл третьего, — в V веке до н. э. «гипокриты» уже могли общаться не только с хором, но и между собой, что сделало возможным драматическое действие, независимое от хора, и в результате — преобразование хора сатиров в драму^[8].

В те времена существовали пьесы только двух жанров — трагедии и комедии. Писались они чаще всего на мифологические или исторические сюжеты. Все роли играли мужчины. Актёры выступали в огромных масках и на котурнах. Декораций не было. Женщины (исключая гетер) не всегда и не везде допускались на представления, особенно на комедию, и сидели, как правило, отдельно от мужчин. В Греции профессия актёра считалась престижной, а в Риме — позорной (поэтому выступления Нерона так шокировали его приближённых).

Знаменитые драматурги того времени: Эсхил, Софокл, Еврипид, которых называют отцами греческой трагедии, Аристофан — отец комедии. В Риме можно отметить Плавта комедиографа и Сенеку, который обрабатывал произведения Еврипида.

До нас дошли многие пьесы древнегреческих авторов, несколько пьес об Ипполите, трагедия Эсхила «Прометей прикованный», несколько пьес об Электре, трилогия «Орестея» и другие.

В Греции между драматургами проводились соревнования (агон), при выборе победителя учитывалось мнение публики.

В Древнем Риме были популярны ателланы, короткие фарсовые представления в духе буффонады.

Наряду с официальным существовал также античный народный театр, в котором выступали бродячие комедианты — флиаки и мимы. Они разыгрывали примитивные пьески бытового, развлекательного, сатирического, часто непристойного содержания^[9] на улицах и площадях, актёры были без масок, в представлении могли участвовать женщины.

После падения Римской империи античный театр был забыт: ранние идеологи христианства осуждали лицедейство, и не только актёры, музыканты и «плясуны», но и все «одержимые страстью к театру» исключались из христианских общин^[10]. Средневековый театр фактически рождался заново, из народных обрядов и религиозных праздников — инсценировок церковных служб^[10].

К языческим крестьянским праздникам и связанным с ними традиционным играм восходит искусство средневековых гистрионов — бродячих актёров, которые могли быть одновременно и танцорами, и певцами, и рассказчиками, и дрессировщиками животных, гимнастами и фокусниками, играть на самых разнообразных инструментах^[11][12]. К искусству гистрионов восходит фарс, ставший неизменной составной частью городских мистериальных представлений^[13].

Некоторые предполагают, что в противовес языческим, церкви западно европейских вырабатывали собственные обряды, которые придавали их учению действенную иллюстративность^[14]. Уже в IX веке в Западной Европе в день Рождества священники изображали евангельских пастухов, идущих в Назарет, происходил краткий диалог между ними и священником, служившим мессу, — диалогизация службы в своём развитии открывала возможности для драматического действия. В XI веке на Пасху и в Рождество уже разыгрывались настоящие представления^[14].

Постепенно литургическая драма становилась более действенной, более содержательной, наполнялась психологическими переживаниями; тенденция к реалистической трактовке евангельских сюжетов и образов, отразившаяся и в оформлении представлений, и в бутафории, противоречила целям церковной службы, и в 1210 году литургическая драма была изгнана из церкви, — в дальнейшем представления давались на паперти, что позволило участвовать в них не только клирикам, но и горожанам^[14].

Во второй половине XIII века получили широкое распространение представления, посвящённые житиям святых, — миракли, которые от собственно евангельских сюжетов отличались и более «бытовым» оформлением^[15]. В это же время появились и светские пьесы, в большей степени, чем миракли, связанные с народными фольклорными представлениями, — известны, в частности, «Игра о беседке» и «Игра о Робене и Марион» Адама де ла Аля.

Одновременно в городах, независимо от церкви, зарождался жанр мистерий — массового, площадного, самодеятельного искусства. Мистерии были частью городских торжеств, которые устраивались в ярмарочные дни, абстрактные церковные сюжеты обретали в них национальный колорит^[16].

Театр эпохи Ренессанса родился в Италии, где дольше, чем в других странах, существовала литургическая драма и относительно поздно, лишь в середине XV века, появился итальянский аналог мистерий — rapresentazioni sacre^[17]. Во Флоренции тексты для этих представлений писали крупные поэты-гуманисты — Фео Белькари, Луиджи Пульчи и сам Лоренцо Медичи. Увлечённые античной литературой и философией гуманисты поначалу прививали, насколько это было возможно, античный дух священным представлениям, вплоть до использования в мистериях языческих сюжетов, в частности мифа об Орфее^[17].

Параллельно развивалась другая тенденция: в 70-х годах XV века Помпонио Лето в Риме возродил античный римский театр, — со своими учениками он ставил на языке оригинала сочинения Сенеки, Плавта и Теренция. Опыт Лета быстро распространился по всей Италии, и, поскольку латынь была понятна не всем, вскоре появились переводы древнеримскиx авторов на итальянский язык. Две формы итальянского театра — античные комедии в итальянских переводах (и оригинальные пьесы, долгое время носившие откровенно подражательный характер) и мистерии на мифологические сюжеты — постепенно сближались, заимствовали одна у другой элементы драматургической техники и сценического воплощения^[17].

С распространением мистерий в Италии было связано появление первых театральных коллективов на рубеже XV—XVI веков, поначалу в виде любительских содружеств, которые со временем превращались в полупрофессиональные: ремесленники и представители интеллигенции собирали труппу, когда был спрос на представления, показывали их за плату в богатых домах и возвращались к своим прежним занятиям, когда спроса на представления не было^[18]. Важную роль в становлении итальянского профессионального театра сыграла падуанская труппа актёра и драматурга Анджело Беолько, члены которой, выступая в разных пьесах под одними и теми же именами, в одних и тех же костюмах, создавали неизменные типы (tipi fissi)^[19], — в этом отношении труппа Беолько предвосхищала комедию дель арте, появившуюся в середине XVI века, вскоре после его смерти^[20]. Однако в точном переводе с итальянского commedia dell’arte в то время означала «профессиональный театр» — понятие «комедия масок» появилось позже^[18].

На протяжении долгого времени спектакли играли во дворцах. Лишь в 20-х годах XVI века начали появляться специальные театральные здания, при этом принципы постройки заимствовались у Витрувия: как и в Древнем Риме, зрительный зал строился в виде амфитеатра^[21].

Новый итальянский театр родился как придворный, однако очень скоро завоевал популярность в самых широких слоях итальянского общества, к интересам и вкусам которых он начал приспосабливаться на рубеже XV—XVI веков: мифологические сюжеты постепенно уступали место сюжетам из современной жизни, которые, в свою очередь, диктовали и новые принципы оформления спектаклей, и иной стиль актёрской игры^[17].

Комедия дель арте, благодаря постоянным гастролям итальянских артистов, с конца XVI и на протяжении всего XVII века стала популярна в Испании, Франции, Англии и Германии^[22].

В эпоху Ренессанса в Италии зародились также опера и балет. Вначале в мистериях появилась эпизодически вводимая музыка, позднее музыка стала сопровождать всё действие. В середине XVI века были популярны пасторали, которые сопровождались хоровым пением. В конце XVI века появились произведения с одноголосым пением (монодия).

В 1637 году в Венеции был открыт первый оперный театр.

Первыми оперными композиторами были Якопо Пери, Клаудио Монтеверди и другие^[23].

Первые балеты ставились при дворе для развлечения придворной знати. Хореография была создана на основе придворных танцев^[24].

В XV веке одним из первых мастеров танца был Доменико да Пьяченца. Он занимался танцами вместе со своими учениками Антонио Корнацано и Гульельмо Эбрео, а также обучал этому искусству итальянскую знать. Да Пьяченца написал труд под названием «Про искусство танца и ведение танцев» (De arte saltandi et choreus ducendi)^[25].

В 1489 году Джан Галеаццо Сфорца женился на Изабелле Арагонской в Тортоне. В честь свадьбы было дано грандиозное представление, были организованы танцы по сюжету о Ясоне и аргонавтах. Зрелище получилось настолько впечатляющим, что подобные представления стали устраивать и в других местах^[24][26].

В XVI веке в северной Италии появились грандиозные представления — spectaculi. Они включали не только танцы, но и конные представления и битвы. Екатерина Медичи принесла интерес к танцам во Францию. Она же была первым спонсором балетов, и устраивала грандиозные spectaculi. Одним из заметных был «Польский балет» (Le Ballet des Polonais), который был поставлен к визиту польских послов в 1573 году.

Первые балеты включали не только танцы, но и разговоры и элементы драмы. Постепенно танец вытеснил из балета элементы драмы. Во Франции балет сформировался как отдельный жанр. Балетные представления теперь давали не только при дворе, но и в театрах. Дворяне, включая Людовика XIV, исполняли в балете роли разной важности.

В 1585 году в Вероне открылся театр Олимпико с просцениумом.

В театре Востока сохранились древние архаичные традиции драматического, кукольного, музыкального театров. Это одинаково верно и для театра Индии, театра Японии, Китая, Вьетнама, театра Индонезии.

В России театр родился поздно — лишь во второй половине XVII века. Однако в православной церкви были приняты инсценировки отдельных служб — Пещное действо и Шествие на осляти. Эти обряды совершались не позднее, чем с начала XVI столетия^[27]. Скоморошество, зародившееся ещё в XI веке, жестко осуждалось Церковью и было официально запрещено в 1648 году указом Алексея Михайловича^[28]; города не обладали достаточной самостоятельностью, чтобы своими силами устраивать представления, аналогичные западноевропейским мистериям, — театр в Россию был импортирован из Западной Европы^[2]. В 1672 году был создан первый придворный театр, однако он просуществовал всего несколько лет. К этому же времени относится возникновение так называемого «школьного театра» — театра при духовных учебных заведениях; первое упоминание относится к 1672 году, когда в Киево-Могилянской академии была поставлена мистерия «Об Алексее человеке Божием»^[29]. В 1687 году в Заиконоспасском монастыре в Москве была основана Славяно-греко-латинская академия, при которой также был создан театр^[29].

Основное развитие театра США приходится на колониальный период и основывается на западноевропейских театральных традициях. Ключевое отличие — вклад в театральное искусство со стороны чернокожего населения Америки, который обнаруживается начиная с XIX века, но основное значение приобретает только с 1920-х годов^[30].

В отличие от других видов сценического искусства, спектакль в драматическом театре основывается на инсценированном литературном произведении (пьесе) — предполагающем импровизацию^[2] или заранее подготовленную постановку. Для артиста драматического театра основным средством выразительности, наряду с физическими действиями, является речь, сценический костюм, грим; вместе с тем драматический театр — искусство синтетическое: он может включать в себя в качестве полноправных элементов и вокал, и танец, и пантомиму^[2]. Важную роль в драматическом театре играет режиссёр, который на основе собственной интерпретации литературного произведения руководит работой всего коллектива, а также редактирует пьесу.

Опера — сценический вид театрального искусства, в котором драматическое действие тесно слито с вокалом и оркестровой музыкой; в опере нередко присутствует и танец^[31]. Зародилась она в Италии на рубеже 16-17 веков.

Существуют такие жанры, как большая опера, комическая опера (opera-buffa в Италии, opéra-comique во Франции, Singspiel в Германии, Тонадилья в Испании, балладная опера в Англии)^[32], романтическая опера, опера-балет и др. Жанр комической оперы повлиял в XX веке на формирование таких жанров, как оперетта, мюзикл, музыкальная комедия^[32].

Оперные постановки обычно осуществляются в специально оборудованных оперных театрах.

Оперное произведение — это род музыкально-драматического произведения, основанный на синтезе слова, сценического действия и музыки. В отличие от драматического театра, где музыка выполняет служебные функции, в опере она является основным носителем действия. Литературной основой оперы является либретто, оригинальное или основанное на литературном произведении^[33]. Опера представляет собой ансамбль сольных эпизодов — арий, дуэтов, трио, квартетов, ариозо, речитативов, а также ансамблей, хоров, балетных сцен и подразделяется на акты и картины, сцены и номера; в начале оперы перед актами бывает пролог, а в конце — эпилог.

Большая роль в опере принадлежит оркестру^[34].

Балет — вид сценического искусства; спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах. В основе классического балетного спектакля лежит определённый сюжет, драматургический замысел, либретто, в XX веке появился бессюжетный балет, драматургия которого основана на развитии, заложенном в музыке.

В балете есть три основные позиции: солисты, кордебалет (представляющих группу танцовщиков) и музыканты (оркестр)^[35]. Основу балета составляет какое-либо литературное произведение, по которому пишется либретто^[36]. Автор перерабатывает произведение, внося в него некоторые редактирования, не нарушая смысла и сохраняя основных героев, композитор пишет музыку на которую затем балетмейстер-постановщик ставит танцы^[37]. В балете есть основные виды танца: классические танцы и характерный танец, а также пантомима, с помощью которой актёры передают чувства героев, их разговор между собой.

Театр кукол — одна из разновидностей кукольного вида искусства, в который входят мультипликационное и немультипликационное анимационное киноискусство, кукольное искусство эстрады и телевидения. В спектаклях театра кукол внешность и физические действия персонажей изображаются и/или обозначаются, как правило, объёмными, полуобъёмными (барельефными или горельефными) и плоскими куклами (куклами-актёрами). Куклы-актёры обычно управляются и приводятся в движение актёрами-кукловодами, а иногда автоматическими механическими устройствами. В последнем случае куклы-актёры называются куклами-роботами. Следует отметить, что словосочетание «кукольный театр» является некорректным и обижает профессиональное достоинство кукольников, поскольку прилагательное «кукольный» ассоциируется с понятием «ненастоящий»^{[источник не указан 194 дня]}. Правильно говорить: «театр кукол», так, кстати, называются все профессиональные театры анимации.

Пантомима — искусство создания художественного образа с помощью мимики и пластики человеческого тела без использования слов.

Пантомима зародилась в Древней Греции, где была частью репертуара мимов. В Древнем Риме в эпоху Августа стала полноценным театральным жанром.

В средневековье церковь запрещала пантомиму, но странствующие актёры продолжали использовать элементы из неё. Комедия дель арте включала в себя бессловесные интермедии. Пантомима была важным элементом арлекинады, комических пьесок, где главным действующим лицом был Арлекин. Во Франции арлекинада стала любимым жанром балаганного театра.

В 1702 году пантомима в виде театрализованного балета была поставлена в театре «Друри-Лейн» в Лондоне. В XVIII веке в театре в качестве интермедий в антрактах трагедий и комедий ставили пантомиму.

Батист Дебюро положил начало лирической поэтической пантомиме, благодаря ему классическим героем пантомимы стал Пьеро.

В XX веке пантомимой занималась группа Карно, в которой впервые выступили Чарли Чаплин, Макс Рейнхардт, Жан-Луи Барро, Марсель Марсо и другие.

Пантомима бывает танцевальная, классическая, акробатическая, эксцентрическая, в начале XX века появилась драматическая пантомима^[38].

Жанр пантомимы развит в классическом индийском музыкальном театре и в Японском театре Но.

Мюзикл — вид музыкального театра, где соединяются диалоги, песни, музыка, танцы. Чтобы сыграть спектакль, нужно написать пьесу. Сюжет в основном берется из известных литературных произведений мировой драматургии и реализуется режиссёром-постановщиком, балетмейстером, специалистами по пению, постановщиками спецэффектов и др^[39]. По форме мюзикл представляет собой, как правило, двухактный спектакль. Постановка вокала или пластики отличается от классического музыкального жанра: голоса не должны звучать «по-оперному», а танец — выглядеть «балетным». Речь, мимика, пластика, танец должны быть в одной линии сценического поведения^[40].

Мюзикл зародился в США в начале XX века и долгое время являлся чисто американским видом музыкально-сценического представления^[41].

Оперетта — вид музыкального театра, в переводе с итальянского означает «маленькая опера». Опереточная школа зародилась в Вене (Австрия)^[42] в 60-е годы XIX века.

• Dance Open — международный фестиваль балета
• Авиньонский фестиваль
• Алтан Сэргэ — международный фестиваль национальных театров
• Всероссийский театральный фестиваль имени Олега Янковского
• Всероссийский фестиваль «Реальный театр»^[43]
• «Голоса истории» — международный театральный фестиваль Вологодской области^[44]
• Дягилевский фестиваль — международный многожанровый фестиваль
• Золотая маска — российская национальная театральная премия и фестиваль
• Золотой Арлекин — Саратовский областной театральный фестиваль и одноимённая театральная награда
• Майатул
• Международный оперный фестиваль имени Ф. И. Шаляпина
• Международный театральный фестиваль им. А. П. Чехова^[45]
• Международный фестиваль искусств имени Сахарова
• Ново-Сибирский транзит — межрегиональный фестиваль-конкурс драматических театров Сибири, Урала и Дальнего Востока^[46]
• Платоновский фестиваль искусств
• «Браво!» — Свердловский областной конкурс на лучшую театральную работу года и фестиваль^[47]
• Фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева
• Эдинбургский международный фестиваль

• Мищенко Ф. Г. Театр // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1901. — Т. XXXIIa. — С. 731—747.
• Театр // Театральная энциклопедия / гл. ред. П. А. Марков. — М. : Советская энциклопедия, 1967. — Т. 5. Табакова — Яшугин. — 1136 стб. — 38 000 экз.
• Дживелегов А., Бояджиев Г. История западноевропейского театра от возникновения до 1789 года. — Москва ; Ленинград: Искусство, 1941. — 616 с.
• Взаимосвязи: театр в контексте культуры. Сб. науч. тр / Редколл. С. К. Бушуева, Л. С. Овэс, Н. А. Таршис, предисл. С. К. Бушуевой. — Л.: Всерос. НИИ искусствознания, 1991. — 154 с. — ISBN 5-7196-0116-3.
• Барбой Ю. М. К теории театра. — СПб.: СПбГАТИ, 2008. — 238 с. — ISBN 978-5-88689-048-8.
• Барбой Ю. М. Структура действия и современный спектакль. — Л.: ЛГИТМИК, 1988. — С. 26—27. — 201 с.
• Ионеско, Эжен. Есть ли будущее у театра абсурда? // Театр абсурда : сб. ст. и публ.. — Изд. 2-е, испр. и доп. — СПб.: Дмитрий Буланин, 2005. — С. 191—195. — 211 с. — ISBN 5-86007-466-2.
• Эпштейн М. Игра в жизни и искусстве // Советская драматургия. — М., 1982. — № 2. — С. 244—253.
• Зингерман Б. И. Театр Чехова и его мировое значение / Отв. ред. А. А. Аникст; АН СССР, ВНИИ искусствознания М-ва культуры СССР. — М.: Наука, 1988. — 382 с. — ISBN 5-02-012691-8.
• Берковский Н. Я. Литература и театр: Статьи разных лет. — М.: Искусство, 1969. — 639 с.
• International Encyclopedia of Dance: A Project of Dance Perspectives Foundation, Inc. (англ.) / ed. by Selma Jeanne Cohen. — New York: Oxford University Press, 1998. — ISBN 9780195173697.
• Театроведение : [арх. 17 октября 2021] / Ю. М. Барбой // Большая российская энциклопедия : [в 35 т.] / гл. ред. Ю. С. Осипов. — М. : Большая российская энциклопедия, 2004—2017.

• Крупнейшее театральное сообщество — Современный Театр
• Как возник и когда появился первый театр
• Театральная библиотека
• Мировой театр